依稀記得在某個求學階段，當我們全班都挺直著腰桿子、正襟危坐的聽著老師上課時，總是會見到幾個其他班級的學生在外頭嬉戲。他們的制服不需要紮進褲子裡，也沒有穿著校規規定的長襪，而當他們在走廊玩鬧的太大聲，正在上課的老師就會出去吆喝一番，接著他們就會一哄而散。
我時常注意著他們，發現大多數的人喜歡到廁所抽煙，有幾個則常常獨自一人，又有幾個人總是眉頭深鎖、怪里怪氣的，看起來絲毫沒有任何活力朝氣。我一直好奇他們的老師怎麼不管管他們，但只要一想起枯燥乏味的上課內容，好奇的心也就就此打住，不過卻一直那樣自由的生活有著莫名的嚮往。那時候，覺得那些人都好酷、好屌、好帥氣…
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導演蔡一峰，曾經是一位專業、經驗豐富的新聞記者，也因為這樣的背景，使得他的作品議題大都與社會息息相關。《奇異果》完整忠實地記錄了全國第一支身心障礙者樂團的成軍成長；《誰來聽我說》則是紀錄泰雅族原住民為了生計，過著逐工地而居的現代遊牧生活，也提到了勞工與原住民的問題。至於這一部《假裝看不見》，題材更是特殊少見，窺探了大陸女子假結婚來台的辛酸血淚史，同時拍攝地點也橫跨了兩岸，非常用心。
對於大陸女子假結婚來台的印象，似乎都源自於電視新聞中，從那些片面所獲得的訊息，不外乎是「大陸女子假結婚來台賣淫」，或是使用更多腥羶色的字眼報導，而每天晚上習慣看見這樣的報導，久而久之，也漸漸習慣、進而接受了。看著電視中總是遮遮掩掩的女子，竟沒有人願意去傾聽她們的聲音。
《假裝看不見》令人驚訝的是，竟然可以採訪與跟拍到這樣的一群女主角，甚至將整個流程，從女子假結婚後如何來到台灣，一次性交易的收入必須分幾成給司機、老闆，各個步驟皆說明的非常清楚。不過更難得的是，卻也讓這一群飽受社會壓迫的人對著鏡頭訴諸自己的苦衷，這也包括了俗稱的「馬伕」（司機）。而在拍攝的過程中，當然必須顧及到另一種「道德面」，於是我們可以很明顯清楚的發現畫面中，人物的臉總是模糊，或是只擷取了部分的身體特徵（腳、手、嘴…等），這對攝影者來說，也是一大考量與考驗。要探討這樣的議題，相信也必須透過特殊的關係。而進入心境的問題，也考驗著導演的涉入方式，雖然大部分的影像總像是偷窺式的，但影片所呈現出來與被攝者的關係，卻自然且細膩。
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我明明很愛你，又要裝作若無其事。你明明很討厭我，卻也是總得噓寒問暖一番。於是我們對於種種事物的感動與知覺，都被表面化的形象給掩蓋住了，因為我們都彼此在「假裝沒感覺」。
承認那種「感覺」從來不是什麼丟臉的事情，但卻不知從什麼時候開始，「哭」成為丟臉、沒氣概的代名詞，「愛」也帶著難以啟口的羞怯，所有真情的表達，變成了他人眼底最好笑、最無法接受的方式。
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基督教強調原罪說，而這超高標準的原罪不僅僅只是貪婪、忌妒等人性，甚至包括了性愛。處女之身的瑪莉亞懷了神的兒子，超脫了這些原罪，耶穌用其無罪之血，代替世人承擔了這一切的罪過，展開救贖。希特勒說過：「不思考的民眾是弄權者之大幸」，而猶太祭司直指耶穌妖言惑眾、挑戰當時的羅馬帝國的威權，帶領著易受煽動的群眾，叫囂著要將耶穌釘死於十字架上，處以極嚴厲的刑罰，這一連串苦的經過到血腥的犧牲，正是《受難記》中的主要內容。
耶穌下降人間，目的是為了救贖人類。透過《受難記》，可得見耶穌對人類永恆的愛，同時也窺見人們的貪婪與愚昧，相信即使是從未接觸過聖經的觀眾，也會因為片中近乎慘無人道的血腥刑罰，明白耶穌為人所受的苦，進而了解耶穌的偉大與崇高性。《受難記》固然拍的好，甚至整片皆用阿拉姆古語發音，捨棄了英語，盡可能的力求史實。只是當電影作為一部獨立作品、獨立的藝術時，僅僅描述死亡的經過，偶爾穿插幾個典故，卻沒有將前因後果完整鋪述，這樣短淺薄弱的的劇情使得此片深度大減。觀眾的感動，卻像是經由聖經章節的輔助與再現，或是無法停止的暴力鞭打中所引發的。電影的本質消失了，成為聖經（文學）與暴力的附庸。好比羅蘭巴特所述的「作者之死」，就是希望在閱聽任何藝術作品時，能夠擺脫作者的束縛。而《受難記》缺乏的正是脫離文本（聖經）後的獨立性。
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假使你曾對影帝丹尼爾路易斯的精湛演技激賞不已，那你也應該對執導《我的左腳》、《以父之名》、《敢愛敢鬥》的愛爾蘭導演吉姆薛利登不陌生。
五年了，沒想到他還是很堅持以愛爾蘭為主的故事，不過這次卻是從過去對現世與歷史政治的犀利觀點中跳出，編織了一個自傳性色彩濃厚的新作─《前進天堂》。這看似一家人移居美國，藉以找尋著天堂的故事，正是從導演本身８０年代的經歷改編而成，其中為了尋求更細膩的情感，更是由導演的兩位女兒共同撰寫劇本。此片不僅會令觀者動容，我想作者也利用創作本身作為自我情感的舒發與治療。
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英雄的登場往往是技驚四座、光芒萬丈般的突然降臨，不過這部北野武的新作卻不是如此，《盲劍俠》改編自過去勝新太郎的《座頭市》電影，「座頭」指的是盲人，「市」則為主角的名字。縱然無緣見得過去的作品，但仍不難想像以往盲劍俠風流瀟灑的帥氣形象。而北野武自導自演的《盲劍俠》當中，添加了很多創新的元素，不論在人物造型、影像技法、音樂節奏，皆有著可以令人會心一笑的精心設計。
過往大部分的電影都著重於劇情的發展，不過近來卻有許多電影顛覆了這刻板的觀念，《追殺比爾》是一部，《盲劍俠》也不例外。當觀眾能預測到劇情的發展同時，怎麼樣的死法才炫，怎麼的砍法才酷，怎麼惡搞才能讓觀眾驚呼聲連連，大聲叫好。「過程」儼然反客為主，成了主角。
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大部分的電影是在敘述一段極具張力的故事，有些電影則是故事性較弱，純粹以技術層面取勝，而少部分電影是在展現對事物的緬懷與情感。
那麼《花樣年華》呢？
《花樣年華》不僅僅是綜合上述特點，將男女情愛的欲去還來、含蓄待放描寫的極為細微，並且將一種時代性的氛圍再現的淋漓盡致。
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電影究竟能提供給觀眾什麼樣的想像呢？在政治與思想處處被限制的中國，總能激盪出更多創作的火花，更總是有一些不畏強權時局的鬥士，堅持用影像點出這個國家最落後、失敗的一面，從賈璋柯的《小武》到李楊的《盲井》，雖然中國總是放出禁令，使得在地觀眾無緣觀賞，但這些可貴的作品卻仍帶著創作者的勇氣朝世界前進，獲得世界各影展的肯定，《盲井》就是這樣一部有著批判與關懷，並能帶給人深度想像的電影。
改編自中國作家劉慶邦的小說《神木》，獲得柏林影展銀熊獎的《盲井》，講的是在地底下工作的礦工故事，描寫中國許多落後貧窮地區的黑暗面，四處在礦坑中打零工的兩人，在四下無人、黑暗至極的礦井裡，開始著他們謀財害命的技倆，然而其一主角卻及時良心發現，當人心的覺醒與貪財的慾念產生對峙時，所應該選擇的究竟是那一方？《盲井》大膽的披露了大陸非法採礦場罔顧礦工安全、草菅人命的事實，更大大的諷刺以「均富」為傲的社會主義路線。
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有一種電影會讓人反覆咀嚼、回味再三，而且隨著年齡的增長，所獲得的感動也會不同，我想蔡明亮的電影，就是屬於這一種的。
曾經風光一時，高朋滿座的福和戲院，隨著時代的進步與外商戲院的引進，這曾累積了不知多少影迷美好記憶的空間，也逐漸被人淡忘、遺棄。當偌大的螢幕上映演著武俠經典「龍門客棧」時，座位上卻只有寥寥可數的幾位觀眾，隨著闖入戲院的日本人，我們窺見這些觀眾的觀影作息而發出會心的一笑，然而這些笑聲，卻成為一種與觀眾的對話，螢幕上下的互動，儼然成為黑色幽默，戲謔諷刺著人們對於電影藝術的輕蔑。螢幕上歷史的再現與空蕩蕩的座位，所承載著的是隨影像而起伏的心境與情緒，隨著數分鐘的空鏡頭，近乎滿溢的情感流竄在這個幽暗、靜謐的映演大廳裡。
戲廳裡的觀眾來來去去，詭譎的行徑令人起疑，石雋與苗天看著螢幕上的自己揮刀舞劍，回憶過去而感慨萬千，隨著敘事焦點的轉換，影像好似帶領著我們穿梭於時空當中，不停的交錯纏繞，緬懷那過去的美好，放大現今的沒落。陳湘琪一步一步的踏行，清響的腳步聲規律的回繞，獨自清掃冷清的戲廳；李康生則四處溜搭，兩者在戲院歇業前無法碰面，壽桃中所寄託的委婉情意，也隨著李康生最後騎車奔出畫面外，留下在陰雨中特顯幽暗的戲院與孤寂的陳湘琪，如同片末的老歌「留戀」一般，娓娓訴出導演的不捨與留戀。時間、空間與記憶編織出了神秘又迷人的《不散》。
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李康生首度執導的《不見》，在國內還未上映之前，就已捷報連連，還獲得釜山影展最佳影片「新潮流獎」，對於此片所抱有的期待與好奇，實在一點也不少。對於一個電影表演工作經驗豐富的人，執導的第一部作品究竟會是什麼風格？有什麼內涵？這些都是我極關注的焦點。
《不見》的步調不急不徐，敘事由兩個支線開始交錯發展，而後巧遇、融合。陸奕靜在公園匆忙失措的找尋走失的孫子，鏡頭似紀實攝影般隨著主角移動，真實紀錄著慌亂，慢慢進入主角錯愕、焦急的心境，隨著時間的流逝，尋找的腳步也漸漸緩慢、停止；故事的另一方，張捷翹課沉溺於虛幻的網路世界中，殺戮、虛無的遊戲持續進行著，忽然間他驚覺爺爺的失蹤，而展開找尋的過程。他們一個橫跨生死，需要靠外力協尋與慰藉，一個則封閉孤行的獨立尋找，即使如此，他們卻仍停留在原地，迷失於自我意識建構出的混亂。
在這兩種截然不同的找尋過程中，有很多的幽默，很多的無奈，很多細膩的情感拉扯，這些表現出了一種獨特的台灣現象；在這彷彿無止境的追尋過程中，展露出了人性的軟弱與悲哀，也看出親人間距離的疏遠。是不是真的要在逝去後才會懂得珍惜，對於「不見」了的事物，才會追思、珍惜、懊悔；又或者當你執著、執意於某些事物的追求，是不是你也如同片中的主角，在過度意識的催化之下，喪失了自己的理性思考，迷失在盲目的追尋，籠罩在迷茫的烏雲底下。
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戴立忍的導演處女作《台北晚九朝五》，製作班底個個身經百戰，可見拍此片的野心與企圖；故事以時下年輕人的Pub愛情文化為主，其中的性愛更成為此片宣傳的噱頭，雖然列為限制級，但在強力主打與宣傳之下，也獲得不錯的票房成績，然而在這些新新世代的生活中，除了性與愛情，到底還有什麼是他們在乎的？
性愛、明星夢、搖頭喀藥，彷彿成為現代年輕人的代名詞，《台北晚九朝五》冀望利用三男五女的墮落夜生活，突顯現代社會現象的種種弊病，開場的Pub狂歡，場面調度與聲光效果俱佳，不見初為導演的生澀，片中大量選用了新進演員，縱然這些演員有大膽的性愛演出，但演技的生疏仍可在片中察覺，而選用多主角所須考慮的多重敘事，既不完整也突顯了劇情的薄弱，使得每段故事零零落落，故事主角們的個性塑造也不夠鮮明；性愛鏡頭的充斥，絲毫不見其氣氛的營造與其必要性，目的性過於強烈，只是在不斷的性愛關係下，突顯每個人內心的空虛與寂寞。在其他情感部分的描寫，如父子關係、堅貞愛情、明星夢、同志情懷等等，描寫的過於凌亂破碎，無法感受相互關係間的認同感。然而在這一切墮落生活的背後，其實每個人都有其努力的目標與堅持，就像利用身體去交換進演藝圈機會的其一主角片中所言：「至少我知道自己在做什麼！」這背後的一切，似乎只流於表面，在沒有適度的敘述鋪陳之下，片末的結局也成為最缺乏劇情張力的一段，各主角的結局也因此看來突兀與誇張。雖然此片的性愛尺度大膽煽情，但結局的過度夢幻化，實在不難看出作者仍企圖導正錯誤價值觀的想法。
國片產量的日漸萎縮，2002年的《台北晚九朝五》的成功，再加上《愛情靈藥》的成績，實實在在證明了台灣發展類型片的可能，也開創了「新」電影，只怕這驚鴻的一撇，又會淹沒在同類型外國電影的聲浪下。《台北晚九朝五》片中的茫然與空虛、瘋狂與放蕩，的確能引發年輕觀眾的生命經驗，也或許是將觀眾帶進了一個新的世界，而在這一切落幕之後，取而代之的會是內心的平靜與反思；綜合來說，《台北晚九朝五》固然有許多的問題，但台灣電影也需要有更多「新」電影的發展，就其創作意念與想法來說，《台北晚九朝五》仍值得我們掌聲鼓勵鼓勵。
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在以整個亞洲為市場導向的前提下，《向左走，向右走》的選角顯得格外突出，除了金城武與梁詠琪的亞洲高知名度，新加坡的陳之財與台灣的關穎的演出也絲毫不遜色，突出與誇張的演出甚至比男女主角還搶眼；前段幽默詼諧的劇情令人捧腹大笑，後段男女情愛的擦肩錯過，又讓人感嘆命運的捉弄，實在不能不佩服編劇改編的功力，在杜琪峰與韋家輝對影片精準節奏的拿捏下，《向左走，向右走》的確有著娛樂的效果，也兼具了喚起觀眾愛情記憶的成分，在歡笑與淚水之外，更難得的是，突顯了都市中一股孤寂疏離的氛圍。
選擇台北為此片拍攝的地點，在以全亞洲的觀眾為訴求下實在沒有多大的意涵，甚至在台北之外的其他台灣角落，在不清楚台北地緣關係，也不會去質疑華納威秀與西門町之間的距離，更遑論其對於台北的印象。片中的台北城在精心設計之下，呈現了豐富的層次感，更將擁塞的街道、雜亂的公園，拍成夢幻似的光景；男女主角的巧遇邂逅，令人感到甜蜜歡欣，回憶裡青澀的青春戀曲上演著，所有人不禁替過去的遺憾與錯失惋惜，然而就在此時，大雨傾盆，又一次命運的捉弄，拆散了他們的相會。
「人生總有許多意外，握在手裡的風箏也會突然斷了線…」也是借由不斷鋪陳，才能更顯重逢的珍貴與難得。看看男女配角的來電配對，再回顧男女主角的悲情遭遇，明顯的成為對比；但其實他們也都沒什麼朋友，因為彼此之間的孤寂，在離別時的一通電話才能成為兩人相遇的契機，繁忙都市中的快節奏，是否漸漸沖遠了人與人之間的距離，彷彿片中的孤單男女，只能在這個熟悉又陌生的都市中，無助的尋找一個陌生又熟悉的身影，在街頭嘶喊著對方的名字，渴望著對方的出現。
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其實很難得看到這樣的國片，台灣極少有以青少年生活為主的電影，疏離、長鏡頭幾乎成為觀眾內心抵定的國片印象，《殺人計畫》卻實是顛覆了此觀念。瞿友寧導演在首部劇情片《假面超人》失利後，轉向電視發展，成功的偶像劇《薔薇之戀》打響了名號，在《殺人計畫》裡則更可見其細膩描繪情感、力求剖析人性的力道。
青春少女總帶有一種無憂天真的特質，但有時卻也令人難以捉摸。原本無話不談的好友，卻也能在一夕之間成為陌生人。導演帶著我們進入珍與晴的生活，一同經歷事件，見證彼此間的友誼，又赤裸裸讓我們窺見人性忌妒的原罪。一種淡淡的、極為細膩敏銳的情感，也在不斷的鋪陳中顯現，隨著友誼的漸漸變質，兩人漸行漸遠，對於片中主角，我們難過卻無能為力；而忌妒的力量竟然如此大，大到可以成為殺人的動機，開始醞釀殺人計畫；導演利用邪惡的想像搭配著繪畫，表現出冷漠與心死。隨著劇情發展，究竟珍的殺人計畫會怎樣進行？這也是此片最驚人、最足以令人窒息的一段發展。
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要形容出《一一》帶給我的感覺，實在是太困難了，一方面是此片獲獎無數的無形壓力，另一方面則是一種心靈上的震撼。
《一一》描寫著生活，利用家庭為主體，娓娓道出每個人的生活經歷，敘事線極複雜，故事中的主角們，各代表著生命中的每階段，從小孩的天真、學生的純情、年邁生命的脆弱到對成人功利社會的描寫，不僅直接，而是寫實與深刻。多條的敘事發展並不使得此片沉悶難懂，反而有條有理、完整清楚，這是非常非常難得的地方。在講述時代背景不同的愛情故事時，也利用回想與進行的交互剪輯方式，彼此相互呼應，將情緒帶入最高點，以上皆可透露出導演高深的說故事功力。精準與恰好的時間掌握，使得故事的韻味發酵，影像的魅力將會令人驚覺時間的流逝是如此的快，那是一種絲絲入扣，讓你視線分秒都不肯從影螢幕中移開的觀感，就這樣整個人投入影像之中，彷彿一種神奇的轉換射線將人吸入螢幕，片中主角的舉手投足，牽引著激動的感官情緒，配合音樂與聲音的引導，電影的魔力可見一般。
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承《黑暗之光》，張作驥式魔幻寫實再現。跟前兩部作品比較，《美麗時光》多了一份平易近人的氣息，而故事主角也都是社會中的小人物。
《美麗時光》敘述兩個莽撞少年步入黑社會，一段青春莽撞的都市冒險。
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《天使》是香港獨立製片導演洪榮傑的第二部敘事短片，其所隸屬的「影意志」公司，則是從1997年成立，一直致力於推動香港獨立製片的發展，希望透過各種媒體管道，將這些香港獨立電影介紹給觀眾或是推向國際、參加各種影展。而《天使》也在世界各大國際影展中曝光與獲獎。
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挾著安錫動畫影展最佳影片的氣勢，台灣片商終於肯引進《麥兜故事》，在第二屆高雄電影節(2002年10月28日)與2002金馬影展期間是麥兜故事在台的初次亮相，我也是在當時觀賞的，當時因為影展趕場，整個人都快累垮了，一大早起體力難免不支，在觀賞某些電影時雖然萬般不願意，但也抵擋不住周公誘惑，只好閉眼養神，然而對於即將播映的《麥兜故事》，也是全然毫無頭緒，但此片卻讓我驚喜萬分！我依稀記得我初看此片所獲得的感動，直接且震撼，幽默而感人.....
《麥兜故事》前半段，運用語言特色與絕妙的心境表現，讓人覺得輕鬆幽默，再搭配香港文化，令所有人不禁發出會心的一笑。後半段則強調母子之間的感情與人生際遇，的確，單純即是幸福。
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《像鷄毛一樣飛》，實在是很怪的片名，這是中國第六代導演孟京輝的電影處女作。孟京輝出身於劇場，在大陸頗負盛名，據說由他執導的話劇《戀愛的犀牛》曾連演40場，並且場場爆滿，創造出了票房奇蹟。這讓我想到台灣導演鴻鴻(閻鴻亞)與賴聲川，似乎從劇場出身轉為電影的導演們，作品都帶有一些相同的特色；在演員表現方面，看似即興的演出方式，其實是導演與演員之間想像力的釋放與重組；在影像特色上，構圖則完整精確，跟一般電影相比，又多出了很多荒誕誇張的奇想。是的，《像鷄毛一樣飛》也不例外。
《像鷄毛一樣飛》是部實驗性特強的電影，中國出品更顯難得。故事講述一個落魄詩人，去北京投靠過去詩社的好朋友，而這個朋友早已不寫詩，利用商業頭腦，成為一個賣黑雞蛋的大商人；另一個女主角(秦海璐)則是在旅館內上班，一心想成為空姐，但卻因為只能看見黑白世界(色盲)而無法如願，故事大綱環繞在三人身上，藉由旁白與許多突發事件，呈現主角內心的不安與茫然。片中有很多有趣的象徵，其中利用黑雞蛋與白雞蛋的營養成分來代表商業利益(黑>白)，但在片末所有的黑雞卻都得了瘟疫，只能一死，用此來反諷資本主義，又帶些許的政治意味存在，實在是一絕。
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大陸導演蔣欽民改編小說「沒有語言的生活」，拍成了《天上的戀人》。故事發生在廣西一個鄉下小農村，偏遠自然，樸實可愛，夾雜三個極帶戲劇張力的角色，瞎子、聾子與啞子，又讓人看似淒美愛情故事的片名，很難讓人不對此片產生好奇與期待，這也是我觀看此片前，內心抱有的預設想像。
《天上的戀人》的故事核心是三個青年男女之間的感情糾葛，但不平凡的是，其中有兩個主角是有溝通障礙的人(聾子與啞子)。通常的第一印象，瞎子、聾子與啞子在表達能力上全有障礙，應該怎麼去溝通，實為一個大問題；但反方面思考，瞎子(父)、聾子(子、男)與啞子(女)的互動關係極為巧妙，說與聽、看與寫，缺一則不可，用此建構起家庭的概念，而隨著影片進行，當男女曖昧之情昇華為愛情之後，啞子教聾子寫字，建立溝通的管道，成為兩人世界，也是此片很細膩、一個非常有意思的地方。
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一首帶有神秘淒美的歌曲(Gloomy Sunday)，一段愛恨交織的大時代故事，共同編織了此片《狂琴難了》。
當三個男人同時愛上一個女人會是怎麼樣的？會是你爭我奪的暗鬥？還是寧願摸摸鼻子默默退出，《狂琴難了》講的就是三男一女的故事。
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